Article sur arts-up restitution (suite)

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Préface au livre Jeuxx d'étoffes Impressions -expressions 

 

JACQUELINE FISCHER : LE CHAS, LA Clé.

 

Il y a le silence mais aussi tout ce qu'on peut en montrer. Il y a ce voyage aux abîmes du temps. L'image qui s'y réfère n'ignore rien de ses déferlantes. Mouvement incisif dans les limites, dans les frontières des pans, auxquelles l'œuvre de Jacqueline Fischer donne toujours une densité "de surface" mais pur ouvrir des profondeurs.

Ne pas chercher pourtant l'artiste de Raches où elle n'est pas, c'est-à-dire dans le romantisme d'un monde immaculé. Elle revient à une autre présence, une présence et rupestre douce à la fois. Chaque fois retrouver le mystère du montages des divers morceaux épars, tout ça pour dire :"Je suis encore et je vois".

Recréer, retrouver le clair empire de la présence : la couseuse en fait jaillir une mémoire ouverte, une douleur, une espérance dont on ne saura rien mais où viennent "jouer" (entendons ce verbe ici dans le sens qu'une porte joue) les formes et les schémas.

Il faut  se laisse aller à ce cheminement, à ce balisement d'étapes qui émergent. Voir ce qui se trame dans un agencement (un rituel - sans quoi l'art n'est rien) qui n'est plus simulacre mais une révélation. Jacqueline Fischer nous fait sentir cette présence par la matière même qu’elle travaille obstinément.

 

Le fil lui même a des exigences. Sa souplesse n’est que relative et l’artiste en connaît les diamètres, les coefficients de résistance autant que les couleurs. Chaque œuvre possède dès lors non seulement son schème mais sa densité.

Tenter de voir jusqu'aux limites, aux interstices, aux coutures comment cela monte un ensemble : il faut monter, descendre en un magma de matière, dans l'emprise d'éléments épars-homogènes qui en constituent la matière dans leur fragmentation.

Il faut suivre ces différentes "marches" ou des situations statiques bougent forcément comme se meuvent les vagues pour dresser un labyrinthe de l'être, un labyrinthe spatial autant que temporel. Mais il ne s'agit plus de se perdre il faut  se retrouver même si on entre là pour ne plus en sortir en suivant l'injonction d'un fil « rouge ».

Mais il convient aussi de prendre cette recherche textile comme une arme pour se battre contre notre propre spectre, contre le revenant qui nous hante et tenter - à travers de rares indices que Jacqueline Fischer nous accorde, de savoir ce que ça cache, de savoir sur quel fondement s'arrime notre propre image.

La conceptrice nous indique le moyen de refaire surface en des franges, des frontières. On se dit qu’on finira bien par sortir de ce labyrinthe. Car dans le corps de l'œuvre s'engouffre quelque chose de l'ordre du désir : celui de partir ou de revenir, de ne jamais bouger mais aussi de se mettre en mouvement.

Pour connaître l'espace il faut donc se promener dans de tels  lieux où la matière ourlée tremble d'une émotion première, d'une émotion perdue capable non de se dire mais de se montrer par effet de suggestion. Il faut en suivre les lignes, les rythmes, les paquets de couleurs, les esquisses.

Il faut percer la nuit même si l’artiste pourrait affirmer "La nuit se pend encore à cela qui me hante". Oui, il s’agit de remonter la trame et « prendre la navette ». Que la mort ne vienne plus se coller à l'image, qu'elle en sorte. Pour une résurgence.

Voir le visible ne suffit plus. L'artiste nous entraîne plus loin. Par la force de son imaginaire il s'agit de voir le voir : comment nous voyons lorsque nous voyons. Rejoindre une expérience originelle de la venue au monde: l'oeil ému par l'impact du monde à travers le travail textile.

Pensons alors en terme de naissance : quelque chose se fomente, reste en marche contre la mort du temps puisque le patchwork devient un vecteur  du temps qui entre à nouveau dans le cycle de la vie pour que celle-ci  garde sens.

Jacqueline Fischer continue de chercher la cause première, le pressentiment d'un mystère dont rien pourtant ne sera donné - rien ou presque. Soudain les images se dérobent mais le travail peut réellement commencer.

Le besoin de coudre est lié à l'approche de ce point où, de l’art textile, il ne peut rien être dit, où l'on sait qu'en continuant ainsi on se perd, comme on le perd. En effet l'artiste ne commence à coudre qu'en ce point : celui où la parole perd son sens, n'aboutit qu'au naufrage et que les images, elles, peuvent prendre le relais.

Contours et volumes. Vibration de leurs traces. Il faut accompagner leur dérive pour se souvenir de la lumière et de l'ombre où ils naquirent, dériver sur cette déferlante de pigments qui fomente des formes essentielles sur le fond. L'être en devient le sujet écarté, comme biffé parfois, mais omniprésent. Alors, au bout de cette marche forcée une seule question nous est posée : Serons-nous un jour au bout des indices posés par Jacqueline Fischer ?

Pour le savoir, au lieu de les multiplier l'artiste joue de l'économie foncière afin de retrouver l'intimité, la solitude première qui sont peut-être - sans doute même - à la naissance de l'être comme de l'art..  On dépasse un devenir classique : on est dans ce retournement, dans cette primarité essentielle à qui sait que la modernité se reconquiert sans cesse par rapport à l'attrait de la tradition.

Pour en arriver là, la couseuse a déjà parcouru un long chemin, sachant pourtant s'esquiver de toute maîtrise ou plutôt du piège de la maîtrise. Chaque fois l'œuvre tente de nouvelles voies même si bien sûr ce sont toujours les mêmes images-mères qui reviennent et où tout repose sur un retrait.

L’œuvre est aussi errante que fixe, toujours hors d'elle-même pour plus de "dedans". Elle est le silence devenu espace. Comme si l'on retournait à l'essence de vie sans se soucier des apparences puisqu'on est au-delà. L'image "pieuse" (qui protège) bascule dans le vide afin qu'une autre se déploie. Elle frisonne d'un parfum inconnu afin d'éprouver nos images-repères. Par une insurrection de formes très anciennes quasiment rupestres.

Nous ne sommes plus ces prostrés de Blake que Dieu méprise de tous ses muscles de catcheur ivre, mais des prostrés qui se soulèvent en cette résurrection de matière. Il ne s'agit plus de rêver : la dérive exclut la pure rêverie. Le geste a un mandat à assurer. L'œuvre exige une retenue - il ne faut pas qu'elle réponde à l'appel du vide par une alacrité. Il faut piquer encore, piquer : percer pour reconstruire et lier.

Un tel travail fomente un monde des recommencements, un monde qui n'est ni maternel ou maternant - mais qui restitue au patchwork sa dignité, sa force. Il nous fait atteindre la plus grande intimité, nous rappellent en les métamorphosant les traces où tout a commencé mais en les portant vers un  équilibre, une étendue  ignorés.

 

Jean-Paul Gavard-Perret